Liszt – Die Loreley
Deux légendes pour débuter ce chemin musical, avec tout d’abord l’étrange et mélancolique Loreley.
Sur un rocher, surplombant le Rhin, une belle jeune femme attire les marins par son chant avant de les faire chavirer dans les profondeurs des eaux.
De nombreuses versions coexistent autour de ce personnage. Selon l’une d’elles, presque sirène, elle attendrait le retour de son amant qui l’a quittée, tandis qu’une autre évoque l’esprit d’une femme qui aurait mis fin à ses jours par amour. Certaines enfin racontent qu’il s’agit du fantôme de la Loreley, trompée et qui, se rendant au cloître dans lequel elle a décidé de s’enfermer, jette un dernier regard vers son château. Elle croit apercevoir le bateau de son bien-aimé, vacille et tombe depuis le rocher dans le fleuve...
Désespoir, charme, vengeance, douceur, tragédie... les sentiments les plus contradictoires se mélangent dans une légende où surnagent aussi bien l’amour que la trahison, le mystère que le terrible, le calme et la profondeur du temps.
Liszt en compose une première version pour chant et piano en 1841, qu’il choisit ensuite de transcrire pour piano seul en 1844. Tout y est représenté, le compositeur suivant le poème pas à pas. Le fleuve s’y écoule, avec sa lenteur, hors du temps. Plus encore, il semble être le temps lui-même, et nimbe de mystère cet endroit qui porte un drame pour toujours.

Schumann-Liszt – Widmung Widmung
Avec Widmung, c’est un extrait de Myrthen op. 25 que Liszt choisit de transcrire, un cycle de lieder très variés, composé par Schumann en 1840, au début de sa relation amoureuse avec Clara Wieck.
Liszt se saisit de l’enthousiasme débordant de Schumann dans Widmung, un hymne d’amour sur un poème de F. Rückert, au sein d’ambiances poétiques et d’auteurs très différents (Goethe, Burns, Byron, Heine, Moore...).
Il cède une fois encore à la tentation de paraphraser l’œuvre originale et ajoute ainsi deux variations au thème, transcendant le matériau initial, donnant à la force des sentiments exprimés par le poème une dimension que Schumann n’aurait pas reniée.

 

Charles-Valentin Alkan – Le Vent
Figure de l’artiste romantique par excellence, doué, énigmatique, contemporain et ami des Hugo, Liszt, Sand, Delacroix... Charles-Valentin Alkan est aussi archétypal qu’insaisissable. Promis à un avenir brillant, dans un siècle qui voit naître des personnalités fondamentales pour l’histoire de l’art, il semble tourner le dos aux salons parisiens de 1830 pour cultiver sa singularité et concevoir une œuvre aussi subtile que brillante, avant-gardiste.
Hallucinatoire et inspirée, diaboliquement virtuose, son écriture s’ancre dans un certain classicisme dont elle casse les codes pour proposer un discours novateur, à la dimension littéraire et spirituelle. Dans Le Vent, extrait des Trois morceaux dans le genre pathétique, composés en 1837, Alkan utilise un principe simple : au dessus d’un choral lugubre, une gamme chromatique à l’infini qui imite le bruissement d’un vent qui semble ne jamais devoir s’arrêter. Alka
Un procédé d’écriture qu’il parvient à transfigurer dans une texture qui tient du fantastique et n’a rien à envier aux esthétiques modernes. Tantôt chuintant, fantomatique, sifflant, ténébreux, ce tourbillon sonore, aussi tragique qu’il peut être doux, ne s’apaisera qu’à la dernière note. En nous enveloppant dans un flot de son, Alkan nous fait entendre ça et là, par transparence, le thème de la 7e symphonie de Beethoven, comme une ruine abandonnée, et préfigure le Finale de la Sonate funèbre de Chopin.

Johannes Brahms – Quatre Ballades op.10
Lecteur passionné de légendes et de contes, Brahms livre avec les Quatre Ballades op. 10 une œuvre narrative, sombre et profonde. Son inspiration plonge ici ses ramifications dans un passé lointain et mystérieux, celui des Reliques of ancient poetry, de Thomas Percy (1765), un recueil de ballades et chansons dont la plus célèbre, celle d’Edward, a motivé l’œuvre de Brahms.
Composées en 1854 - alors qu’il n’a que 21 ans - ces ballades révèlent une maturité musicale et une inspiration puissantes. Si Brahms se refuse à une musique à programme au sens strict, le chant d’Edward sert néanmoins de support à la première d’entre elles. Dans un style ossianique, tantôt sombre, rêveur, tantôt chevauchée ou paysage, Brahms laisse ainsi à l’auditeur la liberté de créer son histoire, ou de poursuivre celle d’Edward...

Edouard Lassen- Franz Liszt – Löse, Himmel, Meine seele
Contemporain, assistant, puis finalement successeur de Franz Liszt à Weimar, Eduard Lassen est un compositeur injustement méconnu. Lauréat du prix de Rome en 1851, auteur de trois opéras, de musiques de scène et de 260 lieder, figure culturelle reconnue en Allemagne... l’avènement du nazisme en décidera autrement et le plongera dans l’oubli.
Des trésors réapparaissent aujourd’hui, et notamment grâce à Liszt qui a œuvré intensément pour promouvoir son travail, assumant par exemple la production et l’interprétation de son opéra Landgraf Ludwigs Brautfahrt, et transcrivant nombre de ses lieder.
Parmi eux figure Löse, Himmel, meine seele - transcrit en 1861 - Liszt ayant été touché par l’intensité du poème de Peter Cornelius et la sincérité de l’écriture de Lassen. Œuvre à la croisée de celles de Mahler ou de Strauss, Löse, Himmel, meine seele se déploie avec une ardeur et une sérénité qui transcende la poésie de P. Cornelius dans une dimension toute spirituelle.

Richard Strauss - Morgen !
Morgen ! est le dernier des Quatre Lieder op. 27 composés par Richard Strauss. C’est après sa rencontre avec John Henry Mackay à Berlin que le compositeur mit en musique le poème de ce dernier, le 21 mai 1894. Quelques mois plus tard il offrit les quatre lieder en cadeau de mariage à sa femme, la soprano bavaroise Pauline De Ahna. Transcrite pour violon et piano, puis pour orchestre, cette œuvre a été composée initialement pour voix de soprano et piano. C’est à partir de cette dernière version que je l’ai arrangée pour piano seul. L’enjeu de cette transcription était de conserver aussi intacte que possible la ligne du chant, et de réaliser par le timbre les différents plans sonores. L’écriture permettait de garder l’ensemble du matériau initial, et je n’ai dû déplacer ça et là que quelques notes pour le rendre réalisable. Enfin, les dernières mesures sont de l’ordre du récitatif, et prennent beaucoup de sens avec le support du poème. Ici point de paroles, mais cependant j’ai choisi de les laisser telles quelles. En effet j’aime à imaginer la voix dans ce passage, et lorsque je le joue, j’ai souvent le sentiment d’entendre la chanteuse. Comme si finalement l’absence du texte la rendait davantage présente, le jeu parlando prenant une dimension toute autre et créant un instant d’une grande douceur. Ce chant d’ombre et d’amour ne pouvait trouver une fin plus tendre.

Paolo Rigutto
Depuis toujours, Paolo Rigutto cherche à s’évader dans des mondes artistiques puissants. Très inspiré par la littérature ou la poésie, ses choix artistiques donnent souvent une place importante à la narration et à l’onirisme. Chaque concert est ainsi l’occasio pour lui de créer un chemin poétique qui fera partager au public une expérience immersive dans un ailleurs sonore.
Débutant le piano à l’âge de six ans, Paolo Rigutto se forme auprès de Rena Shereshevskaya, puis du pianiste italien Fernando Rossano. La rencontre avec Brigitte Engerer et Emmanuel Mercier au CNSMDP sera déterminante pour lui. La culture du son, l’aura de Neuhaus, de l’école russe ainsi que l’engagement artistique total transmis par leur enseignement seront une profonde source d’inspiration pour Paolo Rigutto. Encore aujourd’hui, la générosité de Brigitte Engerer, son expérience de la scène et sa présence artistique l’accompagnent dans son chemin musical.
En tant que soliste, Paolo Rigutto a été lancé par Brigitte Engerer. Il a ainsi eu le bonheur de se voir invité dès ses débuts en récital ou avec orchestre sur de grandes scènes comme celle de Pianoscope, Lisztomanias ou Piano en Valois.
Depuis lors, il poursuit sa carrière dans d’éminents festivals tels que La Folle Journée de Nantes, La Roque d’Anthéron, Piano en Valois, Piano aux Jacobins, Pianoscope, Lisztomania, Jeunes talents, l’Opéra d’Avignon, Chopin à Paris, Esprit du piano, Chopin à Nohant...tout comme à l'étranger comme (Chine qu’au Japon, en Italie, en Espagne, Portugal, Suisse. etc.)
En parallèle de son activité de soliste, il forme avec la pianiste Audrey Lonca-Alberto, le duo, Lonca-Alberto & Rigutto. Couvrant une grande partie des œuvres pour quatre mains ou deux pianos, leur répertoire s’exprime aussi dans des transcriptions de pages orchestrales qu’ils affectionnent particulièrement (Prélude à l’après-midi d’un faune, Casse-noisette, Tableaux d’une exposition, Un Américain à Paris...). Partenaires à la ville comme à la scène, ils partagent depuis plusieurs années une réelle complicité musicale. Une belle entente qui les a amenés à se produire dans de nombreux festivals, en France et en Europe.
Depuis 2019, Paolo Rigutto est également membre du Trio Valadon, en compagnie de Raquele Magalhaes (flûte) et d’Aurélienne Brauner (violoncelle). Formation aussi rare que passionnante, elle leur permet d’explorer des pans entiers du répertoire et de participer activement à la scène musicale contemporaine. Ils ont pu ainsi créer des œuvres de Richard Dubugnon, Pierre Farrago ou encore Craig Bloomfield... A ce titre, il a eu l’opportunité de faire la création mondiale d’Heathcliff - une œuvre pour deux pianos de Philippe Hersant - dans le cadre du festival Pianoscope en compagnie de Bruno Rigutto. Il est également le dédicataire de Simple melody, une œuvre pour piano seul de Christian Lauba.
Le disque Fragments d’âme avec la violoniste Sophie Lemmonier-Wallez est sorti en 2022.
2024 sera également une riche année discographique avec, outre Chant d’ombre et
d’amour, un deuxième album sous le label Polymnie, en duo avec Audrey Lonca-Alberto, consacré aux Poèmes symphoniques de Liszt.
Paolo Rigutto est lauréat de la Fondation Banque Populaire pour la Musique.




 

Liszt – Die Loreley
Two legendary tales set the stage for this musical adventure, beginning with the mysterious and sorrowful figure of Loreley. Residing on a cliff above the Rhine, this enchanting young woman charms sailors with her haunting song, ultimately leading them to a watery grave.
Loreley's character invites various interpretations. In one version, she is seen as a mermaid, patiently waiting for the return of her lost love. Another narrative presents her as a woman who tragically took her own life due to love's despair. Lastly, some view her as the ghost of Loreley, who, betrayed and on her way to a convent for solace, catches a glimpse of her lover's boat. In her moment of distraction, she loses her balance and falls from the cliff into the river below.
Despair, charm, revenge, sweetness, and tragedy – a tapestry of conflicting emotions weaves through a narrative where love intertwines with betrayal, mystery dances with horror, and tranquility meets the passage of time.
In 1841, Liszt first composed a version for voice and piano, later choosing to adapt it for solo piano in 1844. Each element is carefully illustrated as the composer reflects the story moment by moment. The river flows on, symbolizing a timeless essence, almost personifying time itself, shrouding this mysterious locale that holds an everlasting drama.

Liszt – Ballade n. 2 s171
A tradition suggests a connection between the Ballade No. 2 and the myth of Hero and Leander, despite the lack of direct commentary from Liszt on the matter.
Leander is a young man from Abydos who attends the rites of Aphrodite in Sestos, where he encounters the enchanting Hero among the priestesses. Her role demands her to remain a virgin, as the goddess cannot tolerate any rivals. However, an overwhelming love blossoms between them at first sight.
Separated by the Hellespont Strait and their differing fates, Leander courageously swims to Hero each night, defying the divine prohibition and battling the sea currents. Hero guides him with a fragile lantern. Each evening, as the sun dips below the horizon, he undertakes this perilous journey, with spring and summer as his allies. Tragically, in their passionate love, they ignore the arrival of winter, failing to notice the increasingly frigid waters, the rising swells, and the encroaching shadows.
One evening, a fierce storm extinguishes the lantern despite Hero's desperate attempts to keep the flame alive. Disoriented and exhausted, Leander ultimately vanishes into the depths of the strait. Hero waits long atop her tower, but at dawn, she sees her beloved's lifeless body washed ashore. In her grief, she leaps into the abyss, joining him in the afterlife and transcending their unattainable love, reminiscent of the tales of Tristan and Isolde, Romeo and Juliet, or even Héloïse and Abelard, who would be celebrated later.
While the sources of inspiration for Liszt's Ballade No. 2 remain elusive, the composer did not leave behind any written clues. Nonetheless, with its somber waves, radiant chorales, and a funeral melody transformed into a brilliant theme, the myth of Hero and Leander undoubtedly plays a significant role in its narrative.

Schumann-Liszt – Frühlingsnacht
"Spring Night, brimming with promises and hopes, known as Frühlingsnacht, is a captivating composition for voice and piano by Schumann. It draws inspiration from a poem by J. von Eichendorff and is part of Liederkreis op. 39. Composed in May 1840, during his renowned 'year of song' (Liederjahr), this piece is regarded as one of the remarkable cycles of Romanticism, beautifully intertwining the poet's emotions with their surroundings."
It was the brilliance of Franz Liszt that allowed him to transcribe the essence of freshness and the awakening of spring onto the piano, skillfully maintaining the nuances of the original piece through his ingenious and inspired piano technique. While Liszt is typically very loyal to the composer he is interpreting, in this instance, he opts to incorporate a reprise of the main theme. In a paraphrastic spirit, the second section softly revisits it and seems to articulate the beauty of the natural world, culminating in an explosion of radiant joy.

Schumann-Liszt – Widmung Widmung
With "Widmung," Liszt chose to transcribe an extract from Myrthen, Op. 25, a collection of diverse lieder composed by Schumann in 1840, at the beginning of his romantic relationship with Clara Wieck.
In "Widmung," Liszt captures Schumann's intense enthusiasm, presenting a love hymn inspired by a poem by F. Rückert, while incorporating various poetic moods and authors such as Goethe, Burns, Byron, Heine, and Moore. He once again succumbs to the allure of reinterpreting the original work, adding two variations to the theme. This transformation elevates the emotional strength conveyed by the poem to a level that Schumann would undoubtedly have appreciated.

Charles-Valentin Alkan – Le Vent
Quintessential figure of the romantic artist, Charles-Valentin Alkan was gifted, enigmatic, and innovative, befriending notable figures such as Hugo, Liszt, Sand, and Delacroix. As archetypal as he is elusive, he was destined for greatness in a century that witnessed the emergence of pivotal personalities in the art world. However, he appeared to turn away from the Parisian salons of the 1830s to nurture his uniqueness and create a body of work that was both subtle and brilliant, pushing the boundaries of avant-garde.
Her writing is hallucinatory and inspired, showcasing a diabolical virtuosity. It is rooted in a specific classicism, which she skillfully disrupts to present a fresh discourse that carries both literary and spiritual depth.
In "Le Vent," part of "Three Pieces in the Genre of Pathétique," composed in 1837, Alkan employs a straightforward principle: above a somber chorale, an endless chromatic scale mimics the sound of a wind that appears to never cease.
A composing process that he transforms into a fantastical texture, rivaling modern aesthetics. At times eerie and ghostly, this sonic whirlwind is both tragically beautiful and gently haunting, only calming at its final note. By immersing us in a torrent of sound, Alkan allows us to perceive, through a veil of transparency, the echoes of Beethoven's 7th symphony, reminiscent of a forsaken ruin, while foreshadowing the Finale of Chopin's Funeral Sonata.

Johannes Brahms – QuatreBallades op.10
As devoted admirer of legends and stories, Brahms presents a profound narrative work in the Four Ballads, Op. 10. His inspiration draws from a distant and enigmatic past, specifically the "Reliques of Ancient Poetry" by Thomas Percy (1765), which is a compilation of ballads and songs. The most notable of these, the ballad of Edward, served as the catalyst for Brahms' composition: Written in 1854 at the young age of 21, these ballads showcase a remarkable level of musical maturity and inspiration. While Brahms may reject program music in its strictest form, Edward's singing provides a foundation for the first ballad. With an Ossianic flair that oscillates between dark and dreamy, as well as evoking images of riding or landscapes, Brahms allows the listener the freedom to craft their own narrative or to carry on Edward's story.

Edouard Lassen- Franz Liszt – Release, heaven, my soul
Eduard Lassen, contemporary, assistant, and eventual successor of Franz Liszt in Weimar, is an unfairly neglected composer. Winning the Prix de Rome in 1851, composing three operas, and more than 260 lieder, he established himself as a prominent cultural figure in Germany. Unfortunately, the rise of Nazism changed his fate, leading to his descent into obscurity. Today, treasures are resurfacing, largely due to Liszt's efforts. Indeed, he dedicated himself to promoting his work by producing and performing his opera Landgraf Ludwigs Brautfahrt and transcribing numerous lieder.
Among them is Lose, Himmel, meine seele - transcribed in 1861 - Liszt having been touched by the intensity of Peter Cornelius' poem and the sincerity of Lassen's writing. A work at the crossroads of those of Mahler or Strauss, Lose, Himmel, meine seele unfolds with an ardor and a serenity that transcends the poetry of P. Cornelius in a completely spiritual dimension.
Richard Strauss (arrangement Paolo - Morning Rigutto) !

Morgen! is the final piece of the Four Lieder op. 27, composed by Richard Strauss in May 1894. After his encounter with John Henry Mackay in Berlin, Strauss set Mackay's poems to music, which he later presented as a wedding gift to his wife, the soprano Pauline De Ahna, just a few months later.
Originally composed for soprano voice and piano, this piece has been transcribed for violin and then for orchestra. The current arrangement is based on this last version. The main challenge was to preserve the integrity of the song while exploring different sound layers through timbre. The composition allowed for the retention of all original material, needing only minor adjustments of a few notes for practical purposes. The final measures take on a recitative quality and gain significant meaning with the poem's support. However, they are presented here in their original form, with the absence of text in this album offering a completely different perspective and enabling soft moments of suspension. This song, embodying themes of shadow and love, could not have a more tender conclusion.

Paolo Rigutto
Paolo Rigutto has consistently aimed to immerse himself in captivating artistic realms. Deeply influenced by literature and poetry, his artistic selections frequently emphasize narrative and a dreamlike quality. Consequently, each concert serves as a chance for him to craft a poetic journey, inviting the audience to partake in an immersive experience that transports them to a different sonic dimension.
Paolo Rigutto began his piano journey at the age of six, training initially with Rena Shereshevskaya and later with the Italian pianist Fernando Rossano. Hailing from the prestigious Santa Cecilia school in Rome, Rossano instilled in him a deep love for Mozart and an unquenchable curiosity for music
A pivotal moment in Paolo Rigutto's development came when he met Brigitte Engerer and Emmanuel Mercier at the CNSMDP. Their teachings, enriched by a profound understanding of sound, the influence of Neuhaus, and the dedication of the Russian school, served as a significant source of inspiration for him. Even now, the generosity, stage presence, and artistic spirit of Brigitte Engerer continue to guide him on his musical path.
As a soloist, Paolo Rigutto was introduced by Brigitte Engerer. This opportunity allowed him to perform on prestigious stages from his debut, whether in recitals or with orchestras, including events like Pianoscope, Lisztomanias, and Piano en Valois.
Since then, Paolo Rigutto has furthered his career at renowned festivals such as La Folle Journée in Nantes, La Roque d'Anthéron, Piano en Valois, Piano aux Jacobins, Pianoscope, Lisztomania, Jeunes Talents, Opéra d'Avignon, Chopin in Paris, Esprit du Piano, and Chopin in Nohant.
His international presence includes performances in countries like China, Japan, Italy, Spain, Portugal, and Switzerland. Additionally, he regularly records for radio stations such as France Musique, Radio Classique, and France Bleu.
Alongside his solo career, Paolo Rigutto has consistently nurtured a passion for chamber music. Currently, he collaborates with pianist Audrey Lonca- Alberto to form the duo Lonca-Alberto & Rigutto. Their repertoire encompasses a wide range of works for four hands or two pianos, including cherished transcriptions of orchestral pieces such as Prelude to the Afternoon of a Faun, Casse-noisette, Tableaux d'une exposition, and An American in Paris. As partners both in the city and on stage, they have developed a strong musical connection over the years, performing at numerous festivals throughout France and Europe.

Since 2019, Paolo Rigutto has also been a member of the Valadon Trio, alongside Raquele Magalhaes (flute) and Aurélienne Brauner (cello). This unique and thrilling ensemble allows them to delve into extensive sections of the repertoire while actively engaging with contemporary music. They have had the opportunity to premiere works by composers such as Richard Dubugnon, Pierre Farrago, and Craig Bloomfield. Creation
With a strong interest in contemporary music and a desire to promote it, he frequently collaborates with modern composers like Craig Bloomfield, Richard Dubugnon, Pierre Farrago, and Bruno Mantovani. One notable achievement was performing the world premiere of "Heathcliff," a composition for two pianos by Philippe Hersant, during the Pianoscope festival alongside Bruno Rigutto. Additionally, he is honored to be the dedicatee of "Simple Melody," a solo piano piece by Christian Lauba.
Recordings
The album "Fragments d'âme," featuring violinist Sophie Lemmonier-Wallez, was released “Ihinav2e0n2o2d.oTubhteaybeouatrh2is0b2e4auptrifouml isestobeanotherfruitfulyearforrecordings,withthe upcoming "Chant d'ombre et d'amour" and a second album under the Polymnie label, in
artistic nature and his future as a
collaboration with Audrey Lonca-Alberto, focusing on Liszt's symphonic poems.
talented pianist”
Paolo Rigutto has been recognized as a laureate of the Banque Populaire Foundation for
 Music.

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